E

Esa banda es Dinosaur Jr. Y probablemente no lo sabías. La clásica banda de culto.

A través de toda su extensa discografía (contando con un break de casi diez años), experimentando e intentando reinventar lo que alguna vez forjaron como un sonido “propio”, probablemente mi parte favorita de su evolución como banda es precisamente la más reciente. Después del formidable “Beyond” del 2007, el reto que afrontaba este trío originario de Massachusetts, era volver a crear una compilación de canciones que conservaran ese increíble feeling melódico lidereado por la virtousa guitarra y particularmente plana voz de J Mascis.

Cuando salió “Farm”, a mediados del 2009, no pude evitar compararlo inmediatamente con el “Beyond” y, aunque es incluso necio esperar a una banda que repita más de lo mismo y tenga éxito haciéndolo, una vez terminando de escuchar sus 12 canciones no pude evitar quedarme absorto ante la genialidad de esta nueva placa.

“Farm” es como uno de esos rompecabezas que no logras armar hasta que por fin observas cómo alguien lo hace por ti frente a tus ojos; con cada uno de sus elementos (guitarra, bajo, batería, voz) donde correspondían, embonando a la perfección, canción tras canción. Recordando a un grunge bastante bluesero como el de Mad Season, con todas las piezas requeridas de un rock alternativo clásico, la inicial “Pieces” puede dar un claro ejemplo de lo que es sello general de la banda.

Claro que de lo que se trata esto es de resaltar los máximos atributos del disco y para hacerlo no hay de otra más que destacar  las rolas en las que la guitarra de J Mascis simplemente crea paisajes mentales para que cualquier aventurero eche a volar la poca imaginación que le deja a uno la televisión hoy día. La primera joya es seguramente el final deprimente de “Ocean in the Way” donde el combo voz/guitarra de J Mascis es como agua en el desierto. Sin embargo prácticamente las rolas que definen al disco y lo hacen una obra maestra como tal serían “Plans” y “Said the People”, la primera como balada cuasi-optimista con puentes de guitarra de alta manufactura; por otro lado, la segunda representa un sombrío himno depresivo con el virtuosismo en las cuerdas más allá del estándar que los mismos Dinosaur Jr. nos acostumbran. Generando un par de monstruosos temas épicos inmediatos.

Si bien Dinosaur Jr. es una banda clásica (y un poco más) que merece ser apreciada como revolucionaría dentro del rock de las últimas 2 décadas (por lo menos) a través de toda su discografía, debo hacer hincapie para los nuevos escuchas en que tomen al “Beyond” y a este “Farm” como un par de documentos sagrados que les asistirán en la búsqueda del tipo de música que va más allá del dinero y los peinados, de las casas y las joyas, y de todo eso que seguro andan buscando la mayoría.

A

Sin embargo el objetivo era descubrir las diferencias comunes y realmente no me costó mucho trabajo en identificar las propuestas del año pasado que había dejado pasar: Foals, Local Natives y Yeasayer.

“Total Life Forever” es la segunda placa del quinteto inglés Foals, una interesante mezcla de esa tragedia alternativa británica que me recuerda en pedazos a lo mas ruidoso de Radiohead (“Treefingers” del “Kid A”) y en otra gran parte a Deerhunter con rítmicas cuasi-bailables que casi parecen siempre chocar y disentir entre sí, desgraciadamente para un depresivo empedernido como yo “Spanish Sahara” tiene que ser mi himno de este disco.

Los debutantes californianos Local Natives y el ya establecido combinado neoyorkino Yeasayer son unas de las bandas que enaltecerán este año (25 de Marzo) al Spring Quesadilla Tour. La primera estará obligada a tocar en su totalidad su “Gorilla Manor” que es en verdad una majestuosa creación musical de inicio a fin, esa intrumentalización folk-oide que ahorita mismo me trae flashazos de Menomena y Portugal. The Man deberá recrear ese día excelsos himnos como “Airplanes”, “World News”, “Who Knows Who Cares”, “Shapeshifter”, “Cubism” y todas las demás, como dije, discazo. Por otro lado Yeasayer estará trayendo como carta fuerte su última placa, “Odd Blood”, la cual simplementa destella influenzas y ritmos que se tienen que escuchar para creerse, así que simplemente lo dejaré como una experimentación alternativa de lo electrónico con el rock, lo cual se plasma en gamas de sonidos que prácticamente pueden llenar cualquier tipo de lienzo. Seguramente también recurrirán  a rolas de su primer disco “All Hour Cymbals” (que de paso también he leído cosas bastantes buenas), así que también habré de darle una escuchada antes de lanzarme aquél día.

F

Resulta bastante interesante dar una mirada en retrospectiva a lo que ha pasado con el rock alternativo en la última década, que vió caer a los Smashing Pumpkins, vió cómo sus espacios de transmisión y propaganda fueron bloqueados por extrañísimos intentos de satisfacer a las emergentes oleadas de pubertos con evidentes intereses banales y superficiales, y vió como su misma naturaleza y fundamentalismos se fueron transformando en una infinidad de vertientes que por allá del 2001 uno jamás se hubiera imaginado.

Creo que todos estos cambios fueron para mejor.

Ahora la capacidad crear música y hacerla llegar a millones de individuos está al alcance de cualquiera, sin la necesidad de vender el alma, la integridad y el orgullo a una disquera. La tecnología, las aplicaciones, la banda ancha, el streaming, etc etc etc han sido aprovechadas al máximo en miles de ocasiones en los últimos años para llevar una idea, una influencia o una inspiración a crear piezas musicales de increible calidad y al alcance de cualquiera que esté dispuesto a navegar entre propuestas que ni sus canales de TV ni sus estaciones de radio tienen el panorama de señalar.

Sorprende ahora la cantidad de “héroes sin gloria” que existen hoy en día entre la música. Menomena es uno de estos casos.

3 individuos de Portland, Oregon cuya inagotable creatividad les impide conformarse con tocar un solo instrumento, recurriendo a la necesidad de alternar entre bajos, pianos, saxofones, teclados, guitarras, baterías, sintetizadores, percusiones y microfonos entre canción y canción. “Mines” probablemente sea el mejor ejemplo de la eclecticidad que puede desarrollar una banda hoy en día, creando temas clásicos de un rock alternativo con tendencias depresivas (“Queen Black Acid”, “Dirty Cartoons”, “INTIL”), temas mucho más enérgicos y estridentes que recordarían probablemente a los primeros trabajos de My Morning Jacket (“TAOS”, “BOTE”) y temas donde simplemente el increíble sello de Menomena se deja sentir en rolas de una increíble complejidad sonora (“Oh Pretty Boy, You’re Such a Big Boy”, “Five Little Rooms”).

“Mines” quizá será otra de esas grabaciones desconocidas de otra de esas bandas desconocidas que estará lejos de impactar en los estratos de lo que la “gente” considera “bueno”, sin embargo agradezco a la evolución musical de esta última década que me ha dado la oportunidad de escuchar la magnificencia de “INTIL” mientras escribo esto. Simplemente es invaluable.

V

Podrán preguntarse -bueno, si ya no tienes tiempo para hacer lo que hacías, ¿por qué no simplemente lo abandonas, justo como tus contenidos deportivos, de Ubuntu/programación o de tu vida personal?-. En realidad esa es una muy buena pregunta, y su respuesta se basa simplemente a la pasión que me despierta la música (generalmente alternativa) y en que creo que, de cierta manera, estoy poniendo mi pequeño granito de arena para que ésta se mantenga firme y constante (en lo que aprendo a tocar algún instrumento =P).

Entonces de esta manera comienzo con mis informales narrativas de la música que estuve escuchando a conciencia durante el mes anterior a la publicación de cada una de éstas. La única intención de todo esto es que uno que otro despistado tome alguna de estas propuestas, la escuche, la haga suya y la comparta con alguien más (que con suerte hará lo mismo). Eso es todo.

Definitivamente si hay algo que debo destacar es a la última placa de esta banda texana de stoner/metal llamada The Sword, el cual no tuve de otra más que ponerla dentro de mi Top 5 de discos favoritos de año pasado, repasando un montón de influencias relacionadas con el rock de hombres, “Warp Riders” es un desfile de excelsas ejecuciones de todos los instrumentos implicados en el sonido, pero sobre todo un manjar de riffs y solos de guitarra de alta escuela. Hablando de stoner, tuve la oportunidad de escuchar otro eslabón dentro de la discografía de Fu Manchu; “Start the Machine” no es más que otra compilación de rolas con poder y actitud, siguiendo una línea similar a clásicos como el “King of the Road” o el “California Crossing”.

Pasando a otros géneros un poco más accesibles, llegó a mí el material debut del trío de electro-pop Miike Snow y debo decir que me sorprendió gratamente, siendo este disco homónimo una excelente propuesta de 13 canciones de las cuales casi ninguna queda de sobra, desde temas nostálgicos (“Silvia”, “Sans Soleil”) hasta los más movidones (“Cult Logic”, “Black & Blue”), estos suecos le caerán como anillo al dedo a los que disfrutan de materiales como los de The Whitest Boy Alive o LCD Soundsytem. Precisamente de éstos últimos también me tocó escuchar su “The London Sessions”, en donde muestran su capacidad para reproducirse en vivo, sorteando exitosamente temas de toda su discografía (sobre todo del “Sound of Silver” y del “This is Happening”), aunque si me preguntan a mí, la gran ausente fue “Dance Yrself Clean”. En fin. Vale la pena.

A continuación mi obligado listado de los 15 discos lanzados este año que más me han impactado. Resultó bastante díficil reducir esta lista a sólo 15 dada la tremenda cantidad y calidad de lanzamientos durante este año, pero como he dicho antes, 15 es el número perfecto para este tipo de conteos, dentro del cual nuevas placas de Kings of Leon, Arcade Fire, Monster Magnet, etc. penosamente tuvieron que ser omitidas (aunque ya no tanto). Sin más rodeos, mi conteo descendente de la música por la cual valdrá la pena (desde mi humilde punto de vista) recordar este año.

15- “One Life Stand”

Hot Chip

Esperada continuación a lo que fue su “Made in the Dark” del 2008, si bien se esperaba un disco 100% de baile y fiesta, lo que hizo esta agrupación británica fue mostrar lo que sería una probable evolución en su sonido, en donde fabrican tanto las clásicas canciones alegronas que ya le conocemos como temas más sombríos y probablemente más maduros, los cuales puede que no le sienten tan bien a todos. Mientras que “Thieves in the Night”, la sonadisima “I Feel Better” o “We Have Love” tendrán el éxito esperado, temas como “Slush”, “Alley Cats” o “Keep Quiet” dejarán a más de uno rascándose la cabeza, aún así sigue siendo un disco realmente bueno.

14- “Disfigurine”

sHEAVY

En lo que fue un año un tanto complicado para la escena stoner, uno de los lanzamientos más destacables fue esta nueva entrega de los canadienses sHEAVY (aunque también debo destacar el nuevo material de Monster Magnet). “Disfigurine” no se aleja de lo que siempre ha sido la identidad de sHEAVY: rock pesado, riffs, historias lúgubres, puentes musicales que gravitan entre el space-rock y el doom y una voz estupenda que para muchos nos parecerá haberla escuchado antes. Desde las brutales “Dead Since Birth” o “Echo in the Skull” hasta las épicas “Beyond the Black Waves” o “Voices From the Star Chamber”, este disco brinda stoner y metal sin tregua alguna.

13- “Halcyon Digest”

Deerhunter

Un disco prácticamente indescriptible por parte de una banda que a lo largo de la década se ha destacado por dibujar los más inimaginables pasajes sónicos. “Halcyon Digest” es la combinación de una variedad de momentos bizarros expresados en texturas, ambientes y la misteriosa voz de Bradford Cox. “Helicopter” es la quizá la canción más hermosa del disco, mientras que “Earthquake” pinta el panorama de los comatosos, “Sailing” es tremendamente depresiva y la continua la ingenua “Memory Boy”, “Desire Lines” suena algo que debió estar en el lamentable nuevo disco de Interpol a la vez que “Coronado” parece robada de alguna sesión de Spoon. Un disco realmente bueno para una banda de no es para todos.

12- “Brothers”

The Black Keys

Excelente lanzamiento del dueto bluesero de Akron, Ohio y probablemente una de las únicas bandas en interesarse en mantener la esencia del blues clásica, si bien hay rolas que poco tienen que ver con él como “Tighten’ Up”, “Howlin’ for You” o “Sinister Kid”, las cuales muestran más bien un jugueteo con el rock, este es uno los discos más cargados de blues desde su “Magic Potion” del 2006. “Black Mud”, “Too Afraid to Love You”, “Unknown Brother” y “These Days” son probablemente los temas de mayor calidad dentro de un disco que lamentablemente ofrece más canciones de las que debería tener.

11- “Sea of Cowards”

The Dead Weather

Inmediatamente tras su sólido debut “Horehound” del año pasado, esta polifacética agrupación aprovecharon el vendaval de creatividad para lo que sería este “Sea of Cowards” el cual no se despega mucho de la propuesta dura y corrosiva que fue su predecesora. “Sea of Cowards” ofrece 11 canciones de altos decibeles donde el garage-rock se mezcla con la sicodelia, el punk, el blues y un poco de stoner, ofreciendo temas extremadamente ácidos “I’m Mad” o “Gasoline”, por otro lado hay temas más accesibles para cualquier oído como la inicial “Blue Blood Blues”, “The Difference Between Us”, “Die By the Drop” o “Jawbreaker”. Si tienes rato siguiendo la trayectoria a lo que sea que haga Jack White, este album no te decepcionará ni un poco.

10- “Swim”

Caribou

Me sorprende la cantidad de propuestas electrónicas que me han agradado este año, no es que le quite valor o crédito a la música electrónica, pero lamentablemente es otro de los géneros que se han prostituido sin misericordia alguna desde hace ya bastantes años. Caribou es el nombre que toma este músico/matemático canadiense (antes llamado también Manitoba) para lanzar sus discos, “Swim”, 3er LP desde que cambió su nombre a Caribou, es literalmente un viaje texturas electrónicas y experimentaciones con todo tipo de instrumentos, percusiones y beats, ofreciendo una variada gama de canciones que no precisamente invitan a bailar, pero sí a pasar un rato bastante agradable y simplemente relajarse y disfrutar. “Odessa”, “Kaili”, “Bowls”, “Leave House” y “Hannibal” son extraordinarias.

09- “Heligoland”

Massive Attack

Definitivamente uno de los regresos del año ha sido el de este proyecto de música electrónica y trip-hop británico que desde principios de los 90′s empezaron a innovar lo hasta entonces era una muy desagradable tendencia musical. Como es de costumbre, se acompañaron de excelentes voces para cada una de sus creaciones, entre las que destacan la de Tunde Adebimpe (TV On the Radio), Damon Albarn y Guy Garvey (Elbow). “Heligoland” es un disco ambicioso, lleno de momentos y texturas que merecen explorarse, quizá sus climax creativos lleguen durante “Splitting the Atom”, “Girl I Love”, “Paradise Circus” (y su polémico video), “Rush Minute” y “Atlas Air”.

08- “Infinite Arms”

Band of Horses

Un disco sencillamente fantástico. Simple y hermoso, voz, guitarras (eléctricas y/o acústicas) y acompañamientos. Rock sureño con toques de folk y country. Para escucharlo con calma en lo que serían los 45 minutos más tranquilos y reflexivos del día, “Factory”, “Blue Beard”, “Infinite Arms”, “Evening Kitchen”, “Older”, “Trudy” y “Bartles + James” serán probablemente los puntos más altos de este disco melancólico que invita a redescubrir la simpleza del rock mismo.

07- “Transference”

Spoon

La tarea que enfrenta cualquier banda de “mantener su sonido vigente” es bastante complicada y que depende de demasiados factores, por eso es que hoy en día tenemos mucho más bandas nuevas que lanzamientos nuevos de bandas con trayectoria. Afortunadamente Spoon ha sabido librar esta tarea por ya más de 10 años y no parece costarles algún tipo de trabajo; probablemente es por la constante simpleza con la que estructuran sus canciones, unos pocos acordes, otros compaces, una letra sencillo y listo, tienen una canción, pero ojo, una extraordinaria canción. Al igual que sus predecesores (“Gimme Fiction” o “Ga Ga Ga Ga Ga”), “Transference” es un disco con 11 canciones de excelente manufactura donde balancean muy a su estilo las estructuras clásicas del rock con la debida experimentación que cualquier banda que quiere mantenerse vigente debe realizar. El resultado son rolas bastante buenas como “Is Love Forever?”, “The Mystery Zone”, “Written in Reverse”, “Trouble Comes Running” o “Got Nuffin’”, pero si me quedo quedar con alguna definitivamente sería con “I Saw the Light” y su extraordinario cierre de guitarras. Un clásico de una banda ya clásica.

06- “Liquid Love”

Shy Child

Un disco sencillamente increíble y adictivo es este 4to LP del dueto neoyorkino de música electrónica, los cuales me recuerdan un poco a la corta presencia de Death From Above 1979 con elementos de muchas otras bandas que hoy en día inundan el mercando de la electrónica y del synthpop. Seguramente han escuchado “Disconnected”, pero el disco completo es punto y aparte, ya que cada canción merecería ser promocionada por separado, desde la sólida experimentación a la LCD Soundsystem de “Criss Cross”, pasando por la pegajosa “The Beatles”, la enigmática “Open Up the Sky” o la melancólica “Dark Destiny”. Ya con todo esto tenemos un disco impecable de principio a fin, ideal para quien sea.

05- “Warp Riders”

The Sword

Hacía mucho que no escuchaba un disco plagado de tan buenos riffs y técnicamente ejecutado de manera tan precisa por parte de todos los componentes de la banda. Basta escuchar “Astraea’s Dream” para de verdad rockear por unos buenos minutos. Repasando cualquier variedad de géneros metaleros del sur norteamericano (sludge, doom, stoner), este cuarteto texano construye un discazo cuasi-conceptual a través de 10 poderosas rolas. Si te gusta lo atasco y lo veloz, dale un llegue a esta propuesta.

04- “Treats”

Sleigh Bells

El resultado de juntar influencias tóxicas del hardcore con la simplicidad y estética de la música popular se resume estupendamente en este debut del dueto Sleigh Bells, cuyo sonido representa, a grandes rasgos, a la combinación de la actitud más caústica de los Yeah Yeah Yeahs con la frescura que le escuchamos alguna vez a The Ting Tings. Entonces tenemos pura agresividad y locura de la vocal (Alexis Krauss) que debate y arriega sus cuerdas vocales ante ruidosa distorsión y experimentaciones electrónicas del bastante audaz Derek Miller, los cuales brindan uno de los discos más interesantes del año y una promesa de un proyecto que ojalá siga brindando discos así en un futuro.

03- “This is Happening”

LCD Soundsystem

Una fácil elección, un disco entrañable y cuyas características musicales se apegan a cualquier tipo de persona. Con canciones tan adictivas como “Pow Pow”, “You Wanted a Hit”, “I Can Change”, “Home” o la excelsa “Dance Yrself Clean”, este 3er material del proyecto de James Murphy se presenta como una sencilla opción para ser el soundtrack de estas fiestas decembrinas. Sólo es cuestión de darle la oportunidad.

02- “Broken Bells”

Broken Bells

Sencillez y delicadeza pueden ser los mejores adjetivos para describir este disco, pero probablemente se darían una idea errónea de esta propuesta. Estoy hablando de un par de músicos (Danger Mouse y James Mercer) que juntaron sus variadas influencias para conformar un disco donde cada una de sus canciones poseen una calidad exquisita y merecen mención por separado, además de un probable single por cada una de ellas. Un disco idóneo para esta temporada, para disfrutarlo en estado de malestar y cuepo cortado, con un pequeño rayo de sol iluminándote el rostro. Un encuentro entre tú y este tipo de música te puede cambiar para siempre, y para bien.

01- “Mines”

Menomena

El mejor disco de rock alternativo por excelencia viene a cargo de este trío de Portland. Un disco completo, propositivo, complejo y sublime, colocándose en la élite de discos contemporáneos de rock (a la par, probablemente, del “Z” de My Morning Jacket o del “Censured Colors” de Portugal. The Man). Temas donde salen a relucir una impresionante gama de instrumentos, los cuales saben matizar con las características vocales de cada uno de ellos (sí, los 3 cantan). “Dirty Cartoons” es quizá el tema depresivo del año, pero la riqueza y espontaniedad de “BOTE” deja claro que el disco va mucho más allá de ser simplemente para gente melancólica, presentando la base ecléctica-instrumental para temas como “Killemall”, “Tithe”, “Lunchmeat”, “Five Little Rooms” y así podría seguirle, en donde no alcanzan las palabras para describir el grado de perfección de cada una. Un discazo. Un clásico. Denle más de una oportunidad.

Mis 5 bandas favoritas del año.

A continuación enlisto descendentemente las 5 bandas que he descubierto este año (no necesariamente por materiales recientes) y que me parece que dejarán (o ya han dejado) un legado bastante importante para la música perteneciente a esta década que apenas comienza. Sería una buena idea darles una escuchada, si yo fuera ustedes.

05. sHEAVY

La similaridad de esta banda canadiense con Black Sabbath (el viejo Black Sabbath, el buen Black Sabbath) puediera ser un mero accidente, o no. Desde la peculiar voz que nos recuerda a un jóven Ozzy Osbourne, hasta los matices de rock pesado que vieron sus primeros días allá en los 70′s, obvio que con elementos de una nuevas escuelas (bueno, ya no tan nuevas) como la de Kyuss y la de Monster Magnet. Con una trayectoria que empezó a finales de los 90′s y ya con tremendos clásicos como “The Electric Sleep” o “Celestial Hi-Fi”, sHEAVY se ha preocupado por mantener al stoner-metal vigente; “Disfigurine”, su placa más reciente es otra joya más que promete quizá otros 5 años de dominancia de esta banda dentro del circuito.

04. Band of Skulls

Tras su excelente debut, “Baby Darling Doll Face Honey”, del año pasado, no me queda la menor duda que está banda seguirá dando de qué hablar. Mostrando influencias primordialmente del blues y del garage-punk con alguna pizca de experimentación instrumental, Band of Skulls nos ofrece una propuesta similar a The Dead Weather cruzada con los Heartless Bastards. Repito, su disco del año pasado es enooorme, escúchenlo si pueden.

03. Menomena

Como fiel seguidor de Radiohead me cuesta un poco de trabajo aceptar de que ya no poseen el cetro de la “La Mejor Banda de Rock Alternativo del Momento”, al menos no para mi. Puede ser por el obvio y comprensible bajón de su ciclo creativo o por que simplemente el entorno musical (en donde por durante 10 años fueron amos y señores) inevitablemente ha cambiado. Si bien sería atrevido y mamón decir que ya existe una banda que los esté relevando, me parece que hay más de una banda que está tomando ese cetro que mencionaba anteriormente y la vez manteniendo al rock alternativo vigente.

Una de ellas sin duda alguna es Menomena, quienes se están haciendo de una bastante interesante trayectoria con ya 4 LPs. “Mines”, el más reciente –el #1 de este conteo personal–, será probablemente el que defina el rumbo de, por lo menos, los siguientes 5 años dentro de los ámbitos del rock alternativo/experimental.

02. Fuijya & Miyagi

Mientras que en el papel son una simple agrupación de inclinaciones electrónicas con influencias alternativas, el sonido de estos británicos se concentra en la exactitud y el balance de cada elemento que construye cualquiera de sus canciones, teniendo (por lo menos en sus últimas 2 grabaciones, “Transparent Things” -2006- y “Lightbulbs” -2008-) discos increíbles cuya efectividad melódica es de casi el 100%. Dignos concentradores del sonido de una generación de indietronica y dance-punk, escuchar a Fujiya & Miyagi representa, a grandes rasgos, la suma de The Whitest Boy Alive, LCD Soundsystem, Hot Chip y lo más fiestoso de The Rapture.

01. Colour Haze

Experimentación pura y sicodelia, es dificil situar a esta banda en comparación con alguna de sus contemporáneas. Sí, al tener la etiqueta de stoner uno se puede dar la idea de alguna otra banda similar (probablemente The Atomic Bitchwax o los Truckfighters sean lo más cercano), pero al recorrer fragmentos de su ya extensa discografía, sobre todo los más recientes “Tempel” y “All”, es evidente que la banda gravita en otras dimensiones cuyos alcances son prácticamente inimaginables. Con un disco por salir a inicios del siguiente año, este trío alemán podría estar dejando un legado musical equiparable al que dejaron Pink Floyd o Led Zeppelin en sus gloriosas épocas.

P

Acá traigo este mes un disquito que sería idóneo para disfrutar de las emociones que describía en el párrafo anterior, no por la cantidad de canciones melancólicas que tiene el disco (que sí tiene varias), sino por la calidad de las rolas del disco y por la innovación que presenta Death Cab for Cutie al momento de construir temas que se debaten contradictoriamente entre el clasicismo del rock alternativo y la innovación y ligereza de un naciente (en esos tiempos) indie pop.

A pesar de que ya han pasado más de 7 años desde que “Transatlanticism” vio la luz, es increíble cómo parece que el tiempo nunca pone en duda la vigencia de ciertos sonidos. La rola que le da el nombre al disco, “Transatlanticism”, es un tema de aires épicos de casi 8 minutos que bien pudo haber estado en el último lanzamiento de Menomena o en futuro disco de unos Broken Bells con mucha más ambición.

A decir verdad, el tema que abre el disco, “The New Year”, es uno de los peores que le he escuchado a la banda, sin embargo es sólo una falsa imagen de lo que llega a continuación: la simpleza de “Lightness”, la extraña felicidad que brinda “Title and Registration”, la energía de “The Sound of Settling”, la emotividad amorosa de “Tiny Vessels”, la increíble melancolía de “Passenger Seat” y finalmente la perfección acústica de “A Lack of Color”, para cerrar con una verdadera joya de la década pasada. Ideal para escucharse acurrucado en el dormitorio, en estado de soledad con ligera cruda, o mejor aún, en compañía de la persona que amas.

“Broken Bells” – 2010 – Broken Bells.

Es realmente dificil describir un disco tan sencillo pero tan perfecto a la vez. Un par de músicos que improbablemente juntarían sus influencias nos brindan un material para mantener la fé aún en la música, por más básica que ésta pueda ser. Guitarra acústica o eléctrica, sintetinzadores, percusiones, piano y voz cada uno a la vez componen 10 excelentes temas de los cuales es una ardua valor inclinarse por un favorito. La faceta más accesible del pop, con la debida búsqueda de integridad del rock y del indie. Claramente candidato a uno de esos “discos del año”.

“Come Around Sundown” – 2010 – Kings of Leon.

Francamente uno de los discos más esperados del año me deja con una ligera sensación de decepción. Vamos, el disco es bueno, vale la pena adquirirse, pero los que estaban esperando algo mejor que el “Only By the Night” (2008) — como yo — probablemente se lleven la misma desilución.

Una vez más se busca el recurso de darle valor a un álbum por la cantidad de canciones y no por la calidad de las canciones; entonces si bien hay canciones bastante buenas como “The End”, “Pyro”, “Mary”, “The Face”, “Birthday”, “Mi Amigo” y “Pickup Truck”, éstas se ven opacadas por canciones que aunque no son malas dejan la impresión de parecerse todas entre sí, teniendo como probable resultado la aburrición del escucha, sobre todo a la mitad del disco.

En conclusión tenemos un disco similar al “Only By the Night” pero un poco aburrido y sin tanta brillantez ni imaginación que el anterior. Sin embargo en estos tiempos tan dificiles para la música sigue siendo una propuesta bastante aceptable.

“Mastermind” – 2010 – Monster Magnet.

Regresa uno de los dinosaurios del stoner y del rock pesado con un disco que hace pensar que la edad aún no la resienten, pero que, de cierta manera, encuentran en cada lanzamiento un poco más dificil innovar su sonido y mantenerlo fresco. Vamos, es stoner, no hay mucho qué innovar en un género musical tan estrictamente masculino, sin embargo aquí la clave sigue siendo la capacidad de generar un disco que te mantenga interesado de principio a fin y “Mastermind” por momentos pierde esa virtud.

Este nuevo disco comienza bastante interesante con la intensidad de rolas como “Bored by Sorcery”, la estupenda “Dig that Hole” y la ya promocionada “Gods and Punks”, alcanza a mantener un poco el nivel con la homónima “Mastermind” y “100 Million Miles”, pero justamente después de ésta el disco cae en un letargo de 4 canciones o 20 minutos con sólo algunos instantes destacables, para únicamente ser cerrado atinadamente por “All Outta Nothin’”. Generando un disco que representa un buen regreso de la banda, pero que queda corto ante momentos históricos como el “Powertrip” (1998) o “Monolithic Baby!” (2004).

“Liquid Love” – 2010 – Shy Child.

Uno de mis gustos más culpables de este año. Un indie/pop/electrónico que prácticamente está abierto para cualquier tipo de gustos y que, el ingrediente secreto de este disco (el cuarto de este dueto neoyorquino) es la genialidad de cada una de las 10 canciones que lo compone.

Seguramente ya han escuchado “Disconnected”, sin embargo “Liquid Love” está mucho más allá de este éxito. Tenemos “Criss Cross” con tremendas influencias de LCD Soundsystem, la extraordinaria “The Beatles” (mi favorita), la atmósfera de “Open Up the Sky”, la pegajosa cadencia de “Depth of Feel” y la sensación de nostalgia que deja “Dark Destiny”. Creando un disco que vale demasiado la pena para tener como referencia en este año del renacimiento del synthpop.

R

“Tempel” es quizá su placa más emblemática hasta la fecha. Si bien su disco homónimo del 2004 o su último LP, “All”, del 2008 también son verdaderas maravillas, “Tempel” sería la perfecta definición de este “equilibrio sensorial” del que vengo hablando, conjuntando 8 temas de asombrosa materia instrumental en las que repasan temas tan obvios para el hombre que ya casi se han olvidado. Algo así como un “Dark Side of the Moon” para las nuevas generaciones.

Repasando rola por rola uno no encuentra más que increíbles pasajes de guitarra acompañados perfectamente por bajo y bateria y, en algunos casos, éstos también tomando el protagonismo natural de una banda que, como he dicho antes, se conserva en “equilibrio”. “Fire” es quizá uno de los temas con los que cualquiera puede empezar con esta banda, un tema de duración promedio (entre 5 y 6 minutos) que poco a poco va llevando a todos sus elementos a un pico en donde la guitarra pinta unos riffs distorsionados que pocos podrían imaginarse, una rola que demuestra por qué es acertado clasificar a Colour Haze dentro del nada rechazable género del stoner.

Claro que hay temas en los que la banda se esmera en algo más que una simple banda de stoner. “Aquamaria” y “Tempel” se desarrollan bajo influencias progresivas/sicodélicas donde uno simplemente es presa de su capacidad de asombro, asombro ante la imagen mental de ver cómo estos temas nacen de apenas unas pequeñas notas y van creciendo hasta convertirse en monstruos épicos que no tienen de otra más que, eventualmente, ver su fin. De tal forma que “Tempel” se define entre el equilibrio de rolas con un stoner muy básico (“Mind”, “Gold & Silver”, “Earth”) y las que desafían el tiempo y el espacio como la 100% instrumental “Ozean” y la final “Stratofarm”.

Al final tenemos un disco bastante sólido que con tan sólo 48 minutos logra más de muchas agrupaciones de rock alternativo/ metal pretenciosas soñarían con lograr. Sé que siempre hablo demasiado a favor de los discos que reseño, pero creánme que esta más que otra le puede ayudar a más de uno para salir de la cotidianidad de sus sonidos.